Les 9 Notions en Arts Plastiques : améliorez votre créativité

Vous souhaitez mieux comprendre les œuvres d’art ou améliorer votre pratique artistique ? Si vous ne connaissez pas les notions des arts plastiques, je vous propose de vous en dire un peu plus sur celles-ci. Vous verrez qu’elles sont des atouts majeurs pour votre créativité.

A quoi servent les 9 notions ?

L’art est un domaine riche en concepts et en réflexions qui traversent les œuvres pour susciter un questionnement profond. Il existe 9 notions qui interviennent dans l’élaboration et la réflexion d’une œuvre d’art, qu’elle soit bidimensionnelle ou tridimensionnelle. Les notions des arts plastiques sont interconnectées et complémentaires. Elles tissent ensemble un réseau complexe d’idées qui invitent à explorer diverses facettes de l’expression artistique. Pour appréhender pleinement ces notions et les questionnements qu’elles soulèvent, il est essentiel d’analyser le champ sémantique de chacune au regard de l’œuvre qui se présente à nous. Se plonger dans cet exercice intellectuel, c’est s’immerger dans une pensée propre à l’art, en considérant tous les éléments auxquels une œuvre fait appel.

Les 9 notions des arts plastiques

Les 9 notions sont : l’Espace, le Temps, le Corps, la Couleur, le Support, l’Outil, la Lumière, la Matière et la Forme.

Espace

La notion d’espace en art est possible à trois échelles différentes :

Elle peut être l’Espace Littéral que l’on peut peut comprendre comme les qualités matérielles du support. C’est l’espace physique sur lequel l’artiste intervient.
Par exemple : Un mur, une toile, un papier, un carton, un grillage etc…

L’espace de représentation qui est un Espace Suggéré. C’est l’espace que l’artiste va créer à partir de sa sensibilité et de son expression.
Par exemple : La vue d’une ville, un trompe l’œil, une nature morte etc…

L’espace littéral est celui à l’extérieur de la toile, qui sert de modèle.

L’espace suggéré est celui que l’on voit sur la toile.

Pour finir, il existe l’Espace de Présentation. C’est un espace réel qui va permettre la visibilité de l’œuvre, son exposition.
Par exemple : Un musée, une galerie, la rue, un atelier, l’espace public, l’espace privé…

L’espace d’un musée, lieu de présentation des œuvres.

Temps

La notion de temps existe elle aussi à plusieurs échelles :

Le temps peut être simplement celui que vous connaissez, une durée mesurable qui permet de se repérer.
Par exemple : la durée de la réalisation d’une œuvre, la durée d’une œuvre vidéo etc…

Le Temps Suggéré par la succession chronologique.
Par exemple : Chronophotographie, film, vidéo etc…

Il existe aussi le Temps Historique dans lequel l’œuvre s’inscrit. On est alors d’un point de vue historique.
Par exemple : Les mouvements, les enjeux socio-politiques, le contexte historique etc…

Le Temps comme Matériau de l’œuvre. On l’oublie parfois mais comme en cuisine, le temps est un matériau (ingrédient) qui peut être mis à l’œuvre.
Par exemple : la performance, la recherche de changement d’état de la matière par le temps (altération) etc…

Le temps qui passe modifie l’œuvre. La moisissure apparaît progressivement, changent l’aspect des oranges et de la structure globale de l’œuvre.

Michel Blazy. Sculpcure Bar à Orange. Installation, Performance, 2009 – 2017.

Vous souhaitez en apprendre plus sur les mouvements artistiques contemporains et comprendre comment une œuvre s’inscrit dans son époque ? Lisez cet article résumé du livre Histoire de l’Art Contemporain.

Corps

Le corps est l’une des notions fondamentales en art. On le retrouve en tant que :

Le Corps Anatomique comme sujet de l’œuvre. C’est le corps comme ensemble d’organes et qui possède la forme anatomique qu’on lui connaît.
Par exemple : un dessin de modèle vivant, une sculpture d’un corps etc…

Vénus de Milo. Marbre, Sculpture, vers 150-130 av. J.-C, Musée du Louvre, Paris, France

Le Corps comme Geste. C’est ici le corps qui se met en mouvement pour réaliser une action qui va faire acte de création.
Par exemple : La danse, la performance, le geste qui entraîne le coup de pinceau etc…

Le geste qui actionne l’outil et fait naître la trace pour créer l’œuvre.

Le Corps comme Support de l’œuvre. Dans cette situation, le corps physique devient un élément central de la production artistique.
Par exemple : performance, tatouage etc…

Le corps fait œuvre. Il devient alors support des propos de l’artiste.

Gina Pane. Azione Sentimentale. Performance, 1973

Pour finir, le Corps du Spectateur. Il s’agit ici de la présence physique de celui qui regarde l’œuvre et de le prendre en compte.
Par exemple : la présentation de l’œuvre, les dispositifs de présentation, la participation du spectateur etc…

Une image est filmée puis transformée en son pour être réceptionnée par un récepteur et retransformé en image. Ainsi les ondes sonores de l’image se mélangent avec les bruits environnants, dont ceux du public se déplaçant dans l’espace, altérant l’image reproduite.

Bertrand Planes. Modulateur-Démodulateur. Installation, 2014, France

Couleur

La couleur est l’un des constituants de l’œuvre les plus connus. Il est donc essentiel de connaître de quoi nous pouvons parler lorsque l’on parle de la notion de couleur en art.

La Couleur en tant que lumière et donc Phénomène Physique. Il s’agit ici des qualités produites lorsque la lumière est renvoyée par la surface d’un objet.
Par exemple : réflexion, matière, effets etc…

La Couleur en tant que Matière. Ce sont les différentes matières que l’artiste va utiliser pour avoir de la couleur.
Par exemple : les pigments, les colorants, les filtres, la peinture etc…

Pour compléter le questionnement sur la couleur, je vous conseille de lire ce résumé du livre Le Petit Livre des Couleurs de Michèle Pastoureau et Dominique Simonnet. Vous y retrouverez l’origine des couleurs à travers l’Histoire ainsi que leurs symboliques. Cliquez-ici

Support

Le Support est l’élément matériel qui va recevoir l’œuvre. Il fait également partie intégrante de celle-ci.
Par exemple : une toile, une feuille, un mur, un dispositif de stockage numérique, etc…

Pour en savoir plus sur ce qu’est un support en art, lisez cet article complet !

Outil

L’Outil est un moyen dont les caractéristiques permettent d’intervenir sur une matière ou un matériau dans le but de réaliser un objectif précis.
Par exemple : un pinceau, une gouge, un crayon, un logiciel, etc…

Vous voulez savoir ce qu’est réellement un outil en art et comment il peut faire de vous un artiste plus créatif ? Lisez cet article : Qu’est-ce que l’outil en art ?

Lumière

La lumière est une notion très étudiée en art. Nous pouvons la retrouver à deux échelles :

La Lumière Réelle, qui provient d’une source lumineuse.
Par exemple : un éclairage artificiel, lampe, un éclairage naturel (soleil), fenêtre, puits de lumière etc…

Dan Flavin. greens crossing greens to piet mondrian who lacked green. Néons, 1966

La Lumière Suggérée. Il s’agit ici d’interaction entre différentes couleurs et valeurs pour suggérer la lumière. Ce sont des effets physiques liés à la perception et à la colorimétrie.
Par exemple : Tâches, nuances, couleurs complémentaires, effets etc…

William Turner. L’Incendie de la Chambre des lords et des communes, le 16 octobre 1834. Huile sur toile, 92 × 123 cm, 1885

Matière

En art, lorsque l’on parle de Matière, deux autres termes viennent rapidement : le Matériau et la Matérialité. Ces trois termes, même s’ils possèdent une racine commune, ne désignent pas la même chose.

La Matière désigne les caractéristiques physiques reconnaissables de l’objet. Cela peut être l’aspect ou la texture par exemple.

Pierre Soulages. 02.03.2009. Huile sur toile, Triptyque, 2009

Le Matériau est ce qui devient d’une substance naturelle ou artificielle lors de la création d’un objet fabriqué.
Par exemple : le fer, le bois, le marbre, le plastique etc…

La Matérialité est l’ensemble des éléments qui constituent l’œuvre. Ces éléments sont objectifs et permettent donner une réalité et signification à l’œuvre.
Par exemple : Le support, les gestes, les traces, les matériaux et les médiums, poids, dimensions etc…

Forme

Pour finir, la dernière notion des arts plastiques est celle de la forme.

La Forme peut être définie comme l’ensemble des caractéristiques qui permettent l’identification d’une réalité. Ces caractéristiques sont souvent des contours qui la délimitent. L’arrangement des formes, leur taille et leur couleur contribuent à l’esthétique et à la composition d’une œuvre artistique.
Par exemple : formes abstraites, formes concrètes, etc…

Vassily Kandinsky. Jaune, Rouge, Bleu. Aquarelle sur toile, 128 × 201,5 cm, 1925, Centre Georges Pompidou, Paris, France

Comment se servir de ces notions ?

Des notions interconnectées

Vous avez eu une première approche des notions des arts plastiques, ce qui vous donne déjà une idée des questions qu’une œuvre d’art peut soulever. Mais cela ne s’arrête pas là; la réflexion va plus loin, car une œuvre d’art n’est pas aussi cloisonnée que les 9 notions. En réalité, chacune de ces notions est poreuse et interconnectée, ce qui suscite des questionnements sur les choix à faire dans la création ou la compréhension d’une œuvre d’art.

En effet, lorsqu’un artiste décide d’explorer la notion d’Espace, il prend en compte non seulement l’espace qu’il va représenter, mais également celui dans lequel il envisage d’exposer son travail. Parfois, il perçoit ces deux espaces comme des facettes complémentaires qui peuvent se mettre en tension pour donner davantage de poids et de sens à l’œuvre.

Cette réflexion sur le lieu d’exposition entraîne nécessairement la considération de la notion de Corps, en tenant compte de la position du spectateur, ainsi que de la notion de Lumière en tant que dispositif de présentation. Ainsi, lorsqu’on analyse une œuvre d’art, nous explorons plusieurs dimensions d’une même notion en fonction des aspects que nous cherchons à interroger.

L’exemple des notions en arts plastiques : Une anamorphose de Georges Rousse

Un exemple concret vous aidera peut-être à mieux comprendre la relation de ces notions à l’œuvre d’art. Prenons l’une des anamorphoses de Georges Rousse réalisée à Rüsselheim en 2003 et laissez moi vous montrer comment une notion en appelle une autre, et ainsi de suite.

Visitez le site de l’artiste pour plus d’informations sur son travail : Site de Georges Rousse

Dans les paragraphes suivants, j’ai mis en évidences les notions en les mettant en gras afin de mieux comprendre leur interconnectivité.

L’espace : L’œuvre se déploie dans un Espace Réel spécifique, en harmonie avec l’architecture et les caractéristiques physiques du lieu. L’espace en tant que lieu physique devient ainsi le Support même de l’œuvre, intégrant ses éléments dans son environnement. L’Espace Réel vient se confondre avec l’Espace Suggéré, celui de la représentation d’une Forme en deux dimensions : le cercle. Ici l’espace tridimensionnel du réel semble être ramené à un plan bidimensionnel.

Le temps : Le Temps joue un rôle crucial dans la perception de l’œuvre. Pour découvrir l’anamorphose dans sa totalité, le spectateur doit investir du Temps et se Déplacer dans l’espace, recherchant le point de vue parfait qui révèle la forme cachée. Le mouvement du spectateur dans le temps permet de révéler progressivement l’ensemble de l’œuvre.

Le corps : Le Corps du Spectateur devient un élément clé dans la révélation de l’Espace Suggéré. Par son déplacement dans l’Espace Réel, le spectateur active la perspective, faisant apparaître la Forme cachée de l’anamorphose.

La forme et la couleur : La forme et la couleur sont les éléments principaux de l’anamorphose. La Forme bidimensionnelle du cercle, en contraste avec l’Espace tridimensionnel, crée une illusion qui brouille les frontières entre les dimensions. Les Couleurs vives de l’anamorphose contrastent avec la banalité du lieu, apportant de la luminosité (Lumière) à l’environnement, tout en mettant en lumière l’anamorphose elle-même.

La lumière : La Lumière joue un rôle essentiel dans la perception des Couleurs et des Formes de l’anamorphose. Les variations de Lumière dans le lieu peuvent modifier la perception de l’œuvre, ajoutant une dimension supplémentaire à son expérience visuelle.

La matière : La Matière est présente dans la création même de l’anamorphose, que ce soit à travers les pigments utilisés pour la peinture ou les matériaux constituant le Support. Elle donne à l’œuvre sa substance tangible, la reliant davantage à l’environnement physique qui l’entoure.

Le geste : Le Geste de Création de l’anamorphose est un aspect fondamental de l’œuvre. Le mouvement de l’artiste pour créer la perspective correcte, ainsi que les Gestes du Spectateur lorsqu’il interagit avec l’œuvre, contribuent tous deux à son appréciation.

Le support : Le Support de l’œuvre est intimement lié à l’Espace Réel dans lequel elle est située. L’anamorphose s’étend sur le Support architectural du lieu, fusionnant avec son environnement pour créer une expérience artistique immersive. Il s’agit ici d’une œuvre dite InSitu : Créée sur place et pour l’endroit précisément.

L’outil : Enfin, l’Outil utilisé par l’artiste pour créer l’anamorphose est un élément essentiel de son processus créatif. Que ce soit des pinceaux, des pigments ou des logiciels informatiques, l’Outil façonne la réalisation finale de l’œuvre et influence la manière dont elle est perçue par le spectateur.

La prédominance des notions en arts plastiques dans l’œuvre

Bien que toutes les notions interviennent dans l’œuvre, elles n’ont pas toutes la même importance dans celle-ci. Certaines, selon ce que souhaite dire l’artiste, sont plus présentes voire dominantes que d’autres mais aucune n’est sans importance puisqu’ensemble, elles participent à la cohérence de l’œuvre.

Dans l’œuvre de Georges Rousse, les notions d’Espace, de Corps et de Support sont prédominantes. L’anamorphose et tout le jeu artistique s’articulent autour de ces concepts.

L’Espace se déploie à différentes échelles, entre le lieu réel et le lieu suggéré. Le Corps intervient à travers le déplacement du spectateur dans l’Espace Réel, révélant ainsi l’Espace Suggéré. Quant au Support, il constitue le lieu même où l’œuvre s’inscrit, fusionnant avec l’Espace environnant. En définitive, l’Espace émerge comme la notion dominante, englobant les autres concepts. De plus, la notion d’espace est probablement le propre de l’anamorphose puisque celle-ci joue avec les limites de la perspective, qui est une recherche de représentation d’un sujet dans deux espaces différents : la bidimension et la tridimension.

Comment se servir des notions des arts plastiques pour s’améliorer en art ?

1. L’analyse d’œuvre : les notions pour mieux comprendre les œuvres d’art

Pour utiliser les notions des arts plastiques afin de progresser en art, l’analyse d’œuvre s’avère essentielle. Elle permet de mieux appréhender les intentions de l’artiste. Une œuvre d’art peut être analysée sous différents angles, selon ce que l’on cherche à démontrer. Une analyse d’œuvre est la démonstration d’un point de vue, d’une approche spécifique. C’est là que les notions deviennent des points d’appui précieux pour orienter l’analyse. En se basant sur une, deux voire trois notions simultanément, il est possible de trouver des angles d’approche pour décrypter l’œuvre et saisir une partie de sa signification, voire certaines intentions de l’artiste, à l’instar de ce qui a été fait précédemment avec l’anamorphose de Georges Rousse.

2. Les notions pour penser son propre travail dans sa globalité : Renforcer ses propos

Donner du sens à ce que l’on crée est essentiel. Cela va au-delà de la simple expression artistique ; c’est également un moteur de créativité. Lorsque l’on cherche à combiner plusieurs notions entre elles, cela pousse les limites de notre imagination et nous permet d’explorer de nouvelles voies artistiques.

Cette démarche nous aide non seulement à comprendre et à analyser des œuvres d’art, mais aussi à interroger notre propre travail, nos choix et à leur donner du sens. C’est comme une réflexion en miroir de l’analyse d’œuvre, mais en partant du processus créatif inverse.

Au lieu de partir de ce que nous voyons pour analyser, nous réfléchissons à comment ce que nous faisons peut donner du sens à notre travail artistique. Pour renforcer la portée de notre œuvre ou de nos propos, nous pouvons nous appuyer sur une notion et tenter de la placer au cœur de notre création.

Cet exercice nécessite de la pratique et une réflexion approfondie sur notre production artistique et nos choix. Il nous invite à penser notre création dans sa globalité, à considérer chaque élément qui la compose et à réfléchir à la signification de chacun de ces éléments.

Voici quelques questionnements que vous pouvez avoir :

• Quel est le message que je souhaite transmettre ?
• Comment puis-je le représenter de manière significative ?
• Quels gestes, quelles techniques utiliser pour exprimer ma vision ?
• Quelles traces, gestes et outils dois-je utiliser et comment ?
• Le processus créatif doit-il est visible ou non ?
• Quels médiums, outils, supports et matériaux utiliser pour matérialiser mon intention artistique ?
• Comment tous ces éléments s’articulent entre eux ? Se complètent, s’opposent, rentrent en tension ?

En répondant à ces questions et en explorant la combinaison et l’interaction de ces différentes notions, nous enrichissons notre pratique artistique et donnons une nouvelle profondeur à notre travail.

Pour conclure

En conclusion, les neuf notions des arts plastiques sont des guides précieux pour explorer et comprendre une partie des enjeux artistiques. Elles interviennent dans la création, l’analyse et la perception des œuvres d’art, formant un réseau complexe d’idées interconnectées. En comprenant et en manipulant ces notions, vous pouvez donner un sens plus profond à votre travail, en explorant de nouvelles voies créatives et en enrichissant votre réflexion artistique.

Par conséquent, intégrer ces notions dans notre pratique artistique permet d‘aller au-delà de la simple technique ou esthétique ; cela nous permet d’explorer le sens de votre art. La connaissance des neuf notions des arts plastiques est donc un outil puissant pour stimuler la créativité, élargir la compréhension de l’art et donner une voix plus profonde à notre expression artistique.

Connaissiez vous ces notions et prenez vous en compte au moins l’une d’entre elles lorsque vous réalisez une œuvre ? Dites le moi dans les commentaire ! 😉