10 bonnes pratiques pour s’améliorer en dessin

Aujourd’hui, je vous propose 10 bonnes pratiques en dessin pour améliorer sa technique. Que vous soyez un débutant ou un étudiant en art expérimenté, ces conseils vous aideront à perfectionner vos compétences en dessin.

1. La pratique régulière

La pratique régulière est la première étape pour améliorer sa technique en dessin, tout comme pour la peinture et toutes les autres disciplines artistiques.

L’artiste américain Chuck Close a un jour déclaré :

« L’inspiration est pour les amateurs, le reste d’entre nous travaille. »

Cette phrase illustre bien l’importance du travail et de la régularité pour atteindre le niveau que vous souhaitez en dessin.

Pour cela, il est essentiel de s’organiser et de trouver des créneaux réguliers dans votre emploi du temps pour vous consacrer à la pratique du dessin. Mieux vaut dessiner 10 minutes tous les jours que de passer une après-midi à vous acharner sur une feuille une fois tous les 6 mois. Alors, mettez-vous au travail !

2. Le dessin d’observation

Le dessin d’observation est probablement l’une des compétences les plus importantes pour les artistes, car il permet de dessiner des objets ou des scènes avec précision d’après nature.

Observer la nature est le meilleur moyen de s’améliorer en dessin. Il faut prendre le temps d’observer attentivement ce que l’on regarde pour en comprendre toutes les subtilités et les interactions physiques qui s’y passent.

Le dessin d’observation peut être difficile au début car il n’est pas facile de représenter un volume présent dans l’espace sur une surface plane tout en prenant en compte toutes ses spécificités. Cependant, avec de la pratique régulière, vous pourrez dessiner presque tout ce que vous voyez aisément.

3. L’utilisation de différentes techniques de dessin

Pour améliorer sa technique en dessin, il est important d‘expérimenter différents outils, tels que le fusain, la sanguine, les marqueurs ou encore la peinture.

Souvent, nous avons un outil ou un médium que nous préférons et auquel nous nous habituons. C’est une très bonne chose de continuer à le pratiquer, mais il est aussi important de se diversifier dans ses techniques.

Le meilleur moyen d’y parvenir est de varier son matériel pour en apprendre les spécificités. Il est normal de ressentir une certaine frustration au début et de ne pas réussir immédiatement à maitriser un nouvel outil ou médium. Cependant, une fois que vous vous serez habitué, vous pourrez réaliser des effets différents dans vos travaux. Cette diversification vous permettra également de développer votre créativité et d’explorer de nouvelles possibilités artistiques.

Vous souhaitez acheter du matériel différent pour améliorer votre technique de dessin ? Alors lisez l’article : Les principaux endroits où acheter son matériel artistique

4. La compréhension des proportions

La compréhension des proportions est une compétence essentielle pour dessiner des formes réalistes. De bonnes proportions garantissent une meilleure cohérence dans le dessin et donnent également plus de force à l’ensemble. L’artiste italien Léonard de Vinci était un maître dans l’art de dessiner les proportions humaines avec précision. Il est célèbre pour « L’Homme de Vitruve », un dessin qui standardise les proportions du corps humain en lui donnant des règles.

Ce dessin est devenu un exemple emblématique de la perfection mathématique et de la beauté des proportions dans l’art. L’Homme de Vitruve montre les proportions idéales du corps humain, où chaque partie est soigneusement mesurée et harmonieusement intégrée dans le tout. Cela montre l’importance de comprendre les proportions dans le dessin pour obtenir un résultat réaliste et équilibré.

En comprenant les proportions du corps humain et de l’environnement, l’artiste peut créer des dessins qui paraissent naturels et convaincants.

L'Homme de Vitruve de Leonard de Vinci
L’Homme de Vitruve, Léonard de Vinci. env 1490

5. L’étude de l’anatomie

L’étude de l’anatomie est un élément crucial pour dessiner des personnages de manière cohérente et réaliste. Bien que l’on puisse apprendre les bases en observant attentivement les modèles, une étude approfondie permet de mieux comprendre la structure du corps humain. Pour ma part, j’ai longtemps dessiné des corps sans me pencher sur l’anatomie, mais j’ai récemment décidé de me concentrer sur cette compétence afin d’améliorer mes dessins.

Bien que fastidieuse, l’étude de l’anatomie permet de mieux comprendre l’ensemble du corps humain, du squelette aux muscles et aux articulations jusqu’à la peau. Une connaissance précise de l’emplacement des os, des muscles et de leur fonctionnement permet une plus grande justesse dans la représentation de la figure humaine, donnant ainsi plus de vie à vos dessins. En somme, l’étude de l’anatomie est un investissement important pour tout artiste qui souhaite progresser dans le dessin de personnages.

6. La maîtrise des ombres et de la lumière

La pratique du dessin est un art complexe qui implique de nombreuses compétences et techniques. L’une des compétences fondamentales est la maîtrise des ombres et de la lumière.

Cette technique est essentielle pour donner vie et de la profondeur à un dessin en jouant avec les contrastes de lumière et d’ombre. En utilisant les ombres et les lumières à bon escient, l’artiste peut créer des effets de texture, de réalisme et de mouvement dans un dessin.

La maîtrise des ombres et de la lumière est particulièrement cruciale pour les dessins réalistes et les portraits. Dans ces types de dessins, chaque détail compte pour créer une ressemblance frappante. La gestion des ombres et des lumières permet de sculpter les formes, de donner du volume et de créer une impression de profondeur et de réalisme.

Cependant, les ombres et les lumières ne sont pas seulement utiles pour créer des dessins réalistes. Elles peuvent également être utilisées pour ajouter du dramatique ou de l’émotion à un dessin en créant des effets de contraste saisissants.

Un artiste qui a utilisé cette compétence avec succès est Rembrandt, célèbre pour ses portraits éclairés par une lumière dramatique.

7. La connaissance de la perspective

La perspective est un élément crucial dans le dessin. Elle permet de représenter l’espace en trois dimensions sur une surface plane. Sans une bonne compréhension de la perspective, les dessins peuvent sembler plats et manquer de profondeur.

La perspective permet également de donner l’impression de distance et de profondeur dans un dessin. En utilisant des lignes de fuite et des points de fuite, il est possible de créer l’illusion d’un objet qui s’éloigne ou se rapproche du spectateur.

La perspective peut aussi aider à créer une composition équilibrée dans un dessin. En utilisant des techniques de perspective, il est possible de diriger l’œil du spectateur vers un point focal ou de créer une sensation de mouvement dans l’image.

Le dessin en perspective comme bonne pratique
Image par Alexandru Petre de Pixabay

8. La créativité

Lorsque l’on parle de dessin, on pense souvent à la technique, à la précision, à la maîtrise des outils. Cependant, il y a un élément tout aussi important pour donner vie à un dessin : la créativité. En effet, la créativité est un ingrédient essentiel pour tout artiste souhaitant s’exprimer à travers le dessin.

La créativité permet à l’artiste d’exprimer sa vision du monde et de donner vie à des idées uniques. En sortant des sentiers battus, l’artiste peut explorer de nouvelles façons de représenter le monde et créer des dessins qui reflètent sa personnalité. En utilisant son imagination, l’artiste peut également trouver des solutions innovantes pour résoudre des problèmes artistiques complexes.

Mais la créativité ne se limite pas à l’exploration de nouvelles idées. Elle peut également aider à créer des dessins qui communiquent des émotions et des sentiments intenses. En jouant avec la composition, la couleur, la texture et la forme, l’artiste peut créer des œuvres d’art qui ont un impact émotionnel profond sur le spectateur.

En somme, la créativité est un ingrédient clé pour tout artiste souhaitant améliorer ses compétences en dessin. Elle permet de donner vie à des idées uniques, de sortir des sentiers battus, et de créer des dessins qui inspirent et émeuvent. Sans créativité, le dessin risque de manquer de personnalité et de ne pas atteindre tout son potentiel artistique. C’est pourquoi il est important pour tout artiste de cultiver sa créativité en explorant de nouvelles idées et en laissant libre cours à son imagination.

9. L’utilisation de la couleur

L’utilisation de la couleur dans le dessin est essentielle pour apporter de la vie, de l’émotion et de la profondeur à une œuvre. Je sais que c’est quelque chose qui fait peur chez beaucoup de personne mais sa maîtrise est un réel plus dans vos travaux. Elle boostera votre créativité et vos possibilités.

La couleur permet de créer des contrastes, de jouer avec la lumière et l’ombre, de donner du mouvement et de la perspective (perspective chromatique). Elle permet également de donner une identité et une personnalité à une œuvre, en utilisant des couleurs chaudes ou froides, vives ou douces, en fonction du message que l’on souhaite transmettre. La couleur est un outil puissant qui peut transformer un simple dessin en une véritable œuvre d’art.

utiliser de la couleur comme bonne pratique pour le dessin

10. La critique constructive

La critique constructive est une étape cruciale dans le processus de création artistique, en particulier dans le dessin. Elle permet à l’artiste de recevoir des commentaires constructifs sur son travail, d’identifier ses points forts et ses faiblesses, et d’améliorer sa technique.

Il est important de garder à l’esprit que la critique constructive ne doit pas être considérée comme une attaque personnelle, mais plutôt comme une opportunité d’apprentissage. Les critiques peuvent fournir des perspectives et des idées nouvelles pour améliorer votre travail.

Il est également important de demander des critiques à des personnes de confiance et expérimentées dans le domaine artistique. Les commentaires d’un ami qui ne connaît rien au dessin ne seront peut-être pas aussi utiles que ceux d’un professeur d’art ou d’un artiste professionnel.

Enfin, il est crucial de ne pas prendre la critique de manière trop sérieuse ou personnelle. L’art est subjectif, et chaque personne aura sa propre opinion sur votre travail. Apprenez à écouter les critiques de manière constructive et qui se basent sur des points de techniques. Faites la part de ce qui est objectif et ce qui est subjectif. Utilisez les critiques pour améliorer votre technique et votre créativité.

Ce qu’il faut retenir des 10 bonnes pratiques pour s’améliorer en dessin

En conclusion, pour devenir un artiste accompli, il est important de développer une variété de compétences en dessin, allant de la compréhension des proportions et de la perspective à la maîtrise de la couleur et de la créativité. En utilisant des ressources telles que des livres d’art et des exemples d’artistes célèbres, il est possible d’améliorer sa technique et sa compréhension du monde de l’art. La critique constructive peut également jouer un rôle important dans l’amélioration continue de la technique en dessin, en permettant aux artistes de recevoir des commentaires constructifs et de progresser dans leur pratique artistique.

Le point à retenir absolument

Si je ne devais vous suggérer de suivre qu’un seul de ces points, je vous conseillerai de pratiquer tous les jours le dessin d’observation, ou du moins le plus possible. (Bon, je sais ça fait deux points, le numéro 1 et le numéro 2 mais c’est pour la bonne cause 😉 )

Si vous ne le faites pas encore, je vous invite dès maintenant à le faire. Prenez votre agenda et réservez y un créneau de 20 minutes que vous consacrerez au dessin d’observation pendant un mois. Vous verrez que vous progresserez très vite !

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11 commentaires

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C’est vrai que le dessin d’observation est la meilleure manière de progresser. Ca permet de voir réellement les volumes, les lumières etc. Et puis, ça permet aussi de s’améliorer dans la composition car quand on copie des images déjà existantes, on a pas besoin d’y penser…

Et oui, il n’y a rien de mieux que de dessiner d’après nature. Comme tu le dis très bien, les reproductions photos perdent toute la subtilité du volume et donc de la lumière 😉

Super article. Ce sont effectivement 10 bons conseils qui permettent de s’améliorer en dessin. Et je suis d’accord avec toi, les plus importants sont les 1 et 2!

Merci pour cet article, je ne sais pas dessiner et maintenant je sais pourquoi 🙂 Par contre j’essaie bien d’avoir une pratique artistique régulière pour m’améliorer, je pense aussi que c’est le conseil à suivre pour tous ceux qui veulent progresser.

J’ai mis du temps à avoir une pratique régulière en dessin. C’est vraiment depuis que j’ai trouvé un rythme que je me suis amélioré. Je pourrai donner d’autres conseils dans un prochain article, peut-être plus sur l’organisation et sur « l’auto-évaluation » lorsque l’on dessine 😁👍

Je suis entièrement d’accord avec les différents qui s ont évoqués.
Après, si je peux me permettre, je rajouterais personnellement un autre conseil qui est de se fixer des objectifs.
En ayant un objectif en tête, on sait pourquoi on veut dessiner et cela donne de l’énergie pour persévérer.

Je suis tout à fait d’accord. Je proposerai prochainement un article qui sera sur les habitudes à avoir pour progresser en dessin, en peinture ou même dans n’importe quelles autres disciplines. J’aborderai comme tu le dis, le fait de se fixer des objectifs et également comment avoir un retour critique envers soi-même selon ces objectifs que l’on s’est fixés !😁

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